Escribir un teatro de comedia no es tarea fácil, tampoco es imposible. Y es que eso que dicen que es más difícil hacer reír que hacer llorar quizás es cierto.
Hay una pregunta que se repite más de lo que parece:
“¿Por qué esta comedia hace reír… pero no funciona?”
No es una pregunta de público. Es una pregunta de autor, de director, de compañía. Aparece cuando una obra tiene momentos brillantes, escenas graciosas, incluso risas constantes… y aun así algo no termina de cuajar. El final no pesa. El ritmo se alarga. El conjunto se diluye.
Este texto está escrito para quien se ha hecho esa pregunta alguna vez.
No es una página sobre chistes. No es teoría del humor. Es una guía práctica para entender cómo se construye una comedia de teatro, desde la primera idea hasta el final, sin perderse por el camino.
El problema habitual al escribir comedia
La mayoría de comedias no fallan por falta de gracia. Fallan por falta de estructura. Empiezan con una idea potente, una situación absurda o un personaje muy reconocible… y luego no saben qué hacer con eso durante una hora.
Se escriben escenas graciosas, pero no una obra.
Se confía en el diálogo, pero no en el mecanismo.
Se improvisa esperando que la risa sostenga todo.
A veces funciona. Muchas veces no.
Escribir comedia no va de inventar situaciones ingeniosas una detrás de otra. Va de tomar decisiones claras y sostenerlas hasta el final.
Qué significa “no perderte” al escribir una comedia
No perderte no significa escribir bien. Significa saber siempre dónde estás.
Saber:
– por qué esta escena existe
– qué está empeorando ahora
– por qué los personajes no pueden salir del problema
– hacia dónde va la obra, incluso cuando parece que se descontrola
Cuando una comedia se pierde, no suele ser de golpe. Se pierde poco a poco. Empieza a añadir escenas que “están bien”, pero no empujan. Empieza a explicar lo que antes se entendía solo. Empieza a alargarse.
Este método parte de una idea simple: una comedia se construye empeorando las cosas, no arreglándolas.
El punto de partida: el marco absurdo
Toda comedia necesita un marco claro. No una historia, no un tema: una condición que encierra.
Un buen marco se puede formular así:
“¿Qué pasaría si X ocurre y nadie puede hacer Y?”
El marco no es un chiste. Es una regla. Y una vez aceptada, no se discute más. El público la asume rápido. A partir de ahí, lo único que espera es coherencia.
Cuando el marco es débil, la obra depende del texto. Cuando es fuerte, las escenas se sostienen solas.
En las entradas de esta web profundizo en cómo crear marcos absurdos que de verdad funcionan y por qué son más importantes que la anécdota inicial.
El detonante: la decisión pequeña que lo estropea todo
Una comedia no empieza cuando pasa algo. Empieza cuando alguien decide algo que no debería.
Aceptar quedarse un poco más.
No decir la verdad todavía.
Imponer una norma para “poner orden”.
Fingir que no ha pasado nada.
Ese gesto pequeño es el detonante. No parece grave. No parece definitivo. Y justo por eso funciona.
A partir de ahí, todo lo demás es consecuencia. Si puedes quitar el detonante y la obra sigue igual, no era un detonante.
Urgencia: por qué no pueden parar
Una vez activado el problema, los personajes deberían poder detenerse, pensar y arreglarlo. Si no lo hacen, es porque algo se lo impide.
Tiempo.
Presión social.
Orgullo.
Miedo.
Miradas ajenas.
La urgencia no siempre es un reloj. A veces es interna. A veces es ridícula. Pero sin urgencia, la comedia se enfría.
Muchas obras se alargan porque los personajes podrían parar y no pasa nada. En comedia, eso es mortal.
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El error del personaje
Aquí está uno de los puntos clave.
El personaje cómico no aprende. No porque sea tonto, sino porque su manera de resolver los problemas es errónea, pero coherente.
Uno controla.
Otro evita.
Otro moraliza.
Otro se victimiza.
Ante cualquier problema, reaccionan siempre igual. Y siempre empeoran la situación.
No hablamos de psicología ni de trauma. Hablamos de función. Si el personaje cambiara, la obra se acabaría.
En este punto el libro conecta con una idea muy usada en narrativa profesional: no importa tanto el viaje del héroe como el viaje del error. En comedia, el personaje no evoluciona hacia la luz; insiste en el fallo.
Personajes incompatibles: el choque
La comedia no nace de personajes interesantes. Nace de personajes incompatibles obligados a convivir.
Si dos personajes podrían entenderse hablando tranquilamente, no hay comedia. Hay diálogo.
La distancia no es ideológica. Es funcional. Actúan distinto ante el mismo estímulo. Uno acelera. El otro frena. Uno dice la verdad. El otro la esquiva.
No discuten ideas. Discuten ritmos, maneras de estar en el mundo. Y eso no se resuelve hablando.
Los mecanismos: cómo funciona la risa
Para escribir teatro comedia no se basa solo con texto. Se sostiene con mecanismos claros:
– información mal repartida
– estatus que sube y baja
– repetición con variación
– escalada de consecuencias
– urgencia constante
Estos mecanismos no son teoría. Son herramientas prácticas. Si una escena no funciona, casi siempre es porque no hay un mecanismo claro dominando la escena.
En las entradas del blog encontrarás artículos dedicados a cada uno de ellos, con ejemplos concretos de teatro, cine y televisión.
La escaleta: ordenar el empeoramiento
Antes de escribir diálogo, hay que ordenar el desgaste.
Una buena escaleta no resume escenas. Decide qué empeora en cada una. Si una escena no empeora nada, sobra.
Esto es especialmente importante en comedia, donde el peligro de alargar es constante. No se trata de añadir más gags, sino de hacer que el mismo error cueste cada vez más caro.
Escribir escenas: entrar tarde, salir pronto
Una escena cómica empieza cuando ya es incómoda y termina justo cuando golpea.
Entrar tarde evita explicaciones.
Salir pronto evita matar el remate.
El famoso “button” no es una frase graciosa: es un corte bien puesto. Saber cuándo cortar es más importante que saber qué escribir.
Aquí es donde la escritura profesional se nota. No por lo ingenioso, sino por lo preciso.
El final: la obra es el final
Una hora de risas no salva un mal final.
El final no es un resumen. Es una posición. Es la última consecuencia del error. Es lo que el público se lleva a casa.
Pensar el final es pensar la obra entera. Si no sabes cómo termina, no sabes qué estás escribiendo.
En muchas comedias clásicas, el final no arregla nada. Simplemente deja claro que esto era inevitable.
Escenario, público y representación
Escribir teatro comedia no se termina en el papel. Se completa en escena.
El espacio limita o potencia el conflicto.
El público puede ser aliado o estorbo.
Romper la cuarta pared puede sumar o destruir el pacto.
Todo eso forma parte del método. No como teoría, sino como decisiones prácticas.
Qué encontrarás en esta web
Esta página es el centro. Desde aquí iré enlazando artículos específicos sobre:
– por qué las comedias no funcionan
– cómo crear marcos absurdos
– personajes cómicos y arquetipos
– mecanismos de humor
– escenas, ritmo y punch-up
– finales y cierres
– errores habituales
Cada entrada aborda un problema concreto, sin rodeos, con ejemplos reconocibles y reglas aplicables.
Y el libro
Todo este método está desarrollado de forma completa y ordenada en el libro. No como teoría, sino como guía paso a paso para escribir una comedia de teatro sin perderte.
Si estás escribiendo, dirigiendo o intentando levantar una obra y algo no termina de funcionar, aquí tienes las herramientas para entender por qué.
No para ser más gracioso.
Para escribir mejor comedia.